Inception (El Origen)

Me tomé mi tiempo para dejar que la fiebre sobre esta película disminuyera y de esta forma escribir no al calor del momento sino para analizar más a profundidad los sentimientos que me generó ver este largometraje.

La película no me gustó, y dejaré claro el por qué a continuación. La cinta es bastante pretenciosa en sus postulados, generando teorías sacadas del aire para rellenar espacios pseudo intelectuales que plantea de muchísima mejor forma y más brillante realizaciones como “Solaris de Tarkovsky” e incluso la misma Matrix, con respecto a la creación de la realidad en la mente y los postulados de los sueños. Todo especulativo pero a la larga presentado de forma fatua para un público poco exigente y que no desea razonar los argumentos propuestos.

Me pareció bastante lenta en realidad, los acontecimientos van a un ritmo de caracol y para evitar que la gente se duerma le introducen escenas de acción gratuita y sin sentido argumental para darle un valor que no merece, la historia no necesitaba de muchas de esas escenas de acción forzada que le colocaron.

Luego está la cuestión de la corporación toda poderosa con tintes conspiratorios y con un personaje principal ridículo que no podía ver a sus hijos, ¿no les huele a cliché?, al cual nunca le dio el cerebro de que los hijos viajaran a donde él se encontraba antes de tomar a su cargo una tarea de la talla de James Bond, ¿entienden lo estúpido del argumento?. Con todo eso ya me perdieron.

Los diálogos son lo peor de la película, son parsimoniosos, extendidos y llenos de exposición, parecen esos discursos infantiles de los villanos de las películas de los años 30's donde contaban todo el plan y casi que solo faltaba describir lo que pasaría en el resto del largometraje, muchos de esos diálogos carecen de sentido narrativo más parecen que se colocaron para robar tiempo. El cine se narra en imágenes no en palabras, el diálogo es complemento de la imagen y no viceversa. Recordemos la escena de la “batería humana” en Matrix que detalla ese principio, todo narrado en imágenes no en monólogo.

Por su parte las actuaciones están bastante bien, me gustaron a pesar de todo. Los efectos visuales son un manjar de alta calidad desde todo punto de vista al igual que la música. La fotografía es de las más interesantes y bien logradas que he visto. La dirección es ejemplar, eso debo de resaltar, bien lograda, magnífica en todo detalle.

Me aburrió, la vi un par de veces y en ambas ocasiones casi me duermo. Le doy 2 Chompipes.

La Ciudad de las Tormentas (Green Zone)

Cualquier parecido con la realidad es pura coincidencia. En esta producción se intenta develar la frialdad de la toma de decisiones por parte de las autoridades de Estados Unidos para justificar una invasión a Irak.

Real o no, la cinta quiere darle a un par de puntos importantes: la responsabilidad de los actos de los gobiernos y de la indiferencia hacia la población civil.

Cinta llena de movimientos de cámara constantes que pueden dañar la retina de cualquiera con tanto bamboleo. Muy de corte político pero siempre con la divertida enseñanza que se necesita un gringo para reparar un daño que otro gringo hizo.

Es algo aburrida y poco excitante a ratos, sabiendo que es una obra de ficción se cae a mi gusto por más parecido a los eventos reales. Ciertamente es una tragedia por encima del drama, uno sabe el final.

Las actuaciones están aceptables, muy buen manejo de la fotografía y ciertos momentos dramáticos son impecables. Pero hay deficiencias en la construcción del personaje principal donde sus intenciones nunca están claras.

Creo que es una interesante película para ver y analizar en una mesa de tragos. Le pongo 3 Chompipes.

El silencio de Lorna (Le silence de Lorna)

La creación de nuestros eventos de vida se entrelaza con aquellos sucesos mentales y del ambiente, uno afecta el otro hasta el día de nuestra muerte. Lo que esta cinta refleja, en tres actos, es la complejidad de la mente en relación con su medio. La pasión, el amor y la locura fusionados dándonos una realidad paralela de una mujer en circunstancias apremiantes.
Lorna es el reflejo de la sociedad en constante paradigma tanto en su ética como en su sentir, en su actuar como en su decidir. Lorna es a grandes rasgos la humanidad en su más incomprensible estado mental.
¿Cuál es el secreto de Lorna? Es la aterradora realidad de la similitud con cada uno de nosotros.
Esta mujer compleja y apasionada en medio de su silencio nos muestra tres grandes paradigmas. La codependencia afectiva, amar a alguien a pesar de que se le odie; la decisión de la vida, abortar o mantener un símbolo que lo una con aquel a quien se ama, y la locura justificada por las circunstancias.
Entender el secreto de Lorna es entendernos a nosotros mismos desde lo más básico de nuestras emociones.
Ahora bien, la cinta presenta un grave error al final, faltando unos minutos se transforma en un continuo de exposición. Justifico al cineasta y al guionista pues en medio de la situación eran las únicas herramientas para expresar de forma directa el sentir de Lorna. Sin embargo resta y no agrega.
Me agradó, cine para pensar por medio de la metáfora. Hermoso. Le pongo 1 Chompipe. Lástima el cierre.

El secreto de sus ojos.

Magistral. Una obra grandiosa de la cinematografía latinoamericana.
La estructura narrativa es fuerte, cada detalle no se deja suelto, con una fluidez pocas veces apreciada en precisión y genio. Rica en figuras y semiología cinematográfica.
Grandiosa, una cátedra visual de cómo se hace buen cine. Cada imagen esta puesta por una razón determinada sin desperdiciar ni un segundo en balde de metraje.
La miré como niño pequeño ante un magnífico espectáculo, el plano secuencia sobre el estadio de fútbol y los quince minutos finales son impresionantes, delicia visual, la cereza sobre el pastel.
Es tan riquísima en su contenido, simple en su andar, tan profundo su mensaje; llevo años sin pasar varios minutos tras terminar una película digiriendo la belleza de lo que recién acababa de presenciar.
El guión es el pilar poderoso que sostiene toda esta catedral, Juan José Campanella y Eduardo Sacheri hicieron que los odiara de la envidia, bárbaro trabajo, maravilloso. Merecen mi ovación de pie.
Esta producción ha entrado entre mis favoritas, por mucho, por su belleza, estética y sobre todo por la historia tan increíblemente bella.
La recomiendo para todos los cineasta (wanna be) que hay por allí afuera, y guionistas, para que sientan como yo qué es ponerse verdes de la envidia y al final quedarnos con la boca abierta ante esta genial creación. No tiene Chompipes, es perfecta, simplemente perfecta.

La Dulce Vida (Happy Go Lucky)

La felicidad es una elección. Esta es la gran enseñanza de esta producción.
Por medio de un fragmento de cotidianidad se nos revela una verdad entre líneas mientras vemos las ocurrencias de la protagonista.
Elegir la felicidad, en medio de todas las posibles excusas para ser infeliz, y bien que las tiene, cosas que para cualquier mortal serian relevantes pero que acá se muestran sin mayor efecto, pues se escogió sonreír antes de darle importancia a otra cosa.
La actriz Sally Hawkins nos regala una poderos interpretación de una mujer con todas las excusas para ser infeliz, y bien que la vida se la pone difícil, pero que por alguna razón sin aclarar decide ser simplemente: feliz. La felicidad no debe tener justificación y ese es un bello mensaje.
Las vicisitudes que atraviesa nuestra heroína están en contraposición de las mascaras de todos los otros protagonistas, todos aparentan ser feliz, mas, cualquier soplo les levanta ese disfraz develando el tormento por el que atraviesa su mente. Todo está en la percepción incluso el deseo de estar mejor.
Elegir el bienestar es entender las consecuencias de nuestros actos, tomando lo mejor de cada decisión difícil para disfrutarla con sabiduría.
Ser original, amarse como uno es y no darle más importancia a las cosas más allá de lo que realmente merecen son la sal y la pimienta presente en la historia. ¿Seremos capaces de entenderlo?
La historia a ratos se siente distante, y la narrativa es hermosamente ingenua. Pero me gustó, salí satisfecho y con un gran trozo de sabiduría en mis manos, gran herramienta que pocas veces el cine regala.
Le pongo 1 Chompipes. No es para cualquiera, pues es la vida misma y a más de uno los puede golpear fuerte.

Las Horas del Verano (L´Heure d´été)

La familia es un ente en constante cambio, siempre diferente a cada generación, así olvidamos que a pesar que nos liga la sangre la indiferencia de nuestra propia historia es inevitable.
Esta cinta es una representación cruel de la realidad humana, de la ironía de intentar no ser olvidados aferrándonos imposibles a lo que tenemos para luego que otros lo desechen como si fuera cualquier cosa. Ese refrán: lo que para unos es basura para otros un tesoro; se aplica dentro del contexto de la narración y las líneas genéticas involucradas en este celuloide.
El lenguaje es austero pero sensible en su expresión, más centrado en el conflicto interno de los personajes y en su propia decisión, es un laberintico pasaje de sentimientos familiares donde los fantasmas del ayer cosechan frutos en el presente. Hermosa metáfora de la cotidianidad y de la simple y cruda verdad, que en algún punto, sin importar quién seas, serás olvidado.
Algunas actuaciones están deficientes, más le salva el hermoso trabajo de la historia.
Los juegos de cámara, su manejo y así como la edición son hermosos, propios de un trabajo artístico bien planificado y coordinado con exactitud milimétrica.
El mensaje de esta cinta es crudo, fuerte, pero hermoso y aun así, es difícil, pues la realidad es difícil de asimilar cuando el arte imita a la vida.
Le pongo 1 Chompipe, me agradó, pero le faltó algo, creo que mayor claridad en su historia formal pues el conflicto interno se ve afectado por el nivel histriónico.

Identidad Sustituta (Surrogates)

Las pasiones humanas siempre se revelarán por encima de cualquier velo. La ciencia ficción es un género que el artista usa como una herramienta para ayudarnos en muchos casos a develar parte de toda esa área oscura que deseamos obviar por miedo a enfrentarla. Así como “Blade Runner” nos plantea la posibilidad de los sentimientos en los androides y “Matrix” nos moderniza el viejo mito de la caverna de Platón esta cinta nos plantea la pregunta esencial sobre qué somos por debajo de nuestros cuerpos, en nuestro espíritu y mente.
El guión es inquietante en su propuesta, la pregunta sobre la realidad en medio de lo aparente se escabulle y nos asusta en cada esquina. Muy buena la metáfora de la, literal, materialización de las fantasías en contra parte del aceptar nuestra propia naturaleza y por lo que somos.
Cine de acción y ficción pero también con trasfondo filosófico, bien lograda y mantiene su ritmo a lo largo de su desenvolvimiento argumental. Hay algunos momentos complicados a medio camino pero que no disminuyen la velocidad del mensaje intrínseco de la producción.
Bruce Willis actúa bastante bien, en su doble papel tanto de robot como de humano, muy bien los detalles que los diferencian, son sutiles pero precisos.
Los efectos visuales están segmentados más no así su sensación de realidad, bien colocados y justos sin caer en la exageración.
Solo le encontré un pequeño fallo, llegando al final, la resolución para muchos se les puede hacer algo predecible.
Cinta para la colección personal. Muy recomendada para ir a ver con amigos.
Le pongo 2 Chompipe.

La Región Perdida.

Sorpresiva e ingeniosa producción costarricense que denota un esfuerzo por parte de sus realizadores en encontrar un rompimiento en la cotidianidad audiovisual tica.
Presenta uno de los mejores guiones de la cinematografía nacional actual, aplica un aproximado al famoso (o infame) “dogma 95”, que bien dejará fintados a más de algún ingenuo y a otros simplemente no les gustará, cine para conocedores e intelectuales dirán unos; pero sin caer en lo experimental. Un trabajo que bien podría sacarle una sonrisa satisfactoria a Lars Von Trier
Su historia es una malla de relatos donde se pueden multiplicar exponencialmente al infinito generando un huracán entrelazado de voces con diferentes aproximaciones desde un mismo evento: El mito del Doctor Moreno Cañas; desde la fantasía y lo real en amalgama que solo el sétimo arte puede sostener.
La edición también sigue el “dogma” sobre este tipo de producciones, laberintico universo complejo pero rico en su propuesta hasta llegar a un clímax irreal dentro del relato como si de un trabajo de Jodorowsky se tratara. El guión y el abordaje de la historia me fascinaron.
Por desgracia, las pésimas actuaciones, sin soltura o naturalidad, de todos los involucrados le restan valor a este genial trabajo, lo que amerita un descuido por parte del director de actores.
El otro problema, y ese parece ser de presupuesto, es la musicalización que deja mucho que desear en algunos puntos medulares.
En síntesis: me gustó mucho; es mejor de lo que esperaba. Pero desde mi interior creo que es una cinta muy adelantada y visionaria para su época en Costa Rica, y espero no ser profeta, pero creo que a muchos no les gustará.
Sin embargo, invito a todos a que la vean, posee un guión bastante exótico y bien realizado.
Le pongo 2 Chompipes. Pésimos actores, mala musicalización. Excelente dirección, genial guión.

Tu última oportunidad (Last Chance Harvey)

Exploración del poder del cambio usando como línea conductora un romance fortuito en la vida de un hombre de mediana edad que ha fallado constantemente en su toma de decisiones.
Podría ser vista como una analogía de aquella vieja frase: “A pesar de todo, la vida, te da la oportunidad de volver a empezar”.
Tiene algunos elementos sueltos y la presentación de los personajes es demasiado larga y tediosa sin mayor valor más que exhibirnos sus rutinas autodestructivas.
Las actuaciones, sin embargo, son excelentes, impresionantes desde la expresividad y el reflejo de las emociones, pero esto no salva que la cinta produzca narcolepsia a ratos, y el romance es algo forzado para mi gusto, con puntos de giro tenues y elementos que pudieron ser explorados y rescatados. Dustin Hoffman y Emma Thompson demuestran un dominio del histrionismo formidable, profesionales maravillosos de su arte.
La sub trama de la madre es completamente innecesaria, más relleno que un elemento significativo.
A pesar de todo esto, no se puede dejar de ver por su naturaleza nostálgica y tierna. Su mensaje es esperanzador y más de alguno se sentirá identificado con estos dos personajes tan humanos y ahogados en sus propios mundos tan cuadrados.
Le pongo 3 Chompipes. Hay que verla en tiempos difíciles, de lo contrario es muy aburrida.

Che: El Argentino

Cinta que como documento histórico genera suficientes dudas para no pasarlas desapercibidas, mas, lo que se quiere señalar es el desarrollo de la mitología generada alrededor del guerrillero Ernesto ¨Che¨ Guevara.
Steven Soderbergh utiliza diversas técnicas cinematográficas para plasmar ese clima político asfixiante gestor de cambios sociales, una ambientación referente al momento que produjeron el nacimiento de esta efigie: cámara en mano (firma indiscutible de Soderbergh), 16 milímetros, tomas en blanco y negro, televisión, falso documental y voz en off, son parte del arsenal para mantener al espectador como acompañante del Che en su recorrido.
La fotografía es parte del lenguaje en prosa, semejante a una melodía que le da textura a toda esta producción, se nota el amor por parte del director, dando vida a una obra amena, fuerte e impactante en su mensaje.
Algo digno de notar es el cuidado con que se introducen los personajes, como se señalan los nombres, esto es importante pues cada calificativo no es al azar, esta ligado a la tradición y al papel que jugaron en la historia latinoamericana. El abanderamiento de los mismos es impresindible para la línea conductual de lo que se narra.
Benicio Del Toro como El Che retrata a un ser humano apasionado, fuerte, leal y decidido, es más una pintura velada a manera de fábula mesiánica donde todo alrededor del héroe lo eleva un paso más allá de lo que es la persona promedio, es casi una creación de Josep Cambell. El Che de Soderbergh es en sí un icono semi religioso, impregnado de un aura de fuerza constructiva, el espectador se encariña con él, no por su ideal sino por las proezas que tiene que sobrellevar para conseguir un sueño que está por encima de él mismo, un constructo que incluso El Che no puede comprender pero que ve necesario para la sociedad. Un visionario.
La cinta se consume con la velocidad de la pólvora y su metraje no se siente, la sensación por conocer más de este hombre, con tintes de cualquier heroe griego, no es de extrañarse pues el propio carisma del Che y su leyenda han trascendido hasta nuestros días, El Che es historia hecha mito.
La crítica más fuerte que le puedo hacer a esta producción es la propia imagen sobrevalorada de El Che, quien, está esculpido como si fuera un mesías moderno señalando solo sus puntos buenos, pero, si la cinta se ve como lo que es, una ficción que trata de brindar un homenaje a toda la fábula representativa de Guevara es una obra que es obligatoria tener en casa.
Le pongo 0 Chompipes, simplemente me fascinó y ya la puse en mi lista de películas por comprar. Un detalle interesante para señalar es que el español de Benicio del Toro no es muy bueno, por lo que las tomas directas al rostro del actor son pocas, la mayoría se realizan de espaldas o por debajo del rostro. Algunas escenas fueron retocadas en post producción para que no se notaran los errores del lenguaje. Aun así, la actuación de Del Toro es apabullante. A esperar la segunda parte. Che: Guerrilla.

La Clase (Entre Les Murs)

Hay producciones que deben de ser apreciadas más allá del metraje foto impreso, entender de donde vienen o por qué se filmó da un valor agregado imprescindible para el análisis crítico del trabajo formal.
Esta película es de tomar con pinzas y al mejor estilo de Inmanuel Kant destrozarla en sus elementos. Muestra una realidad europea donde los inmigrantes son a tal punto segregados que existen escuelas solo para hijos de inmigrandos, separados del resto de la población "natural", la miríada multicultural es el bufet, a muestra de ojos entendidos, y específicamente todo el retrato social ocurre en un aula.
Los jóvenes en su jerga, con su rebeldía y su choque cultural, en ese limbo entre la tierra de sus padres y el país donde viven. Aquí no vemos pobreza, cabe resaltar la ropa y los detalles electrónicos, sino el gris espacio donde se encuentran, en especial en su vida a la adultez. Es interesante analizar los diálogos, lástima todo lo que se pierde en la traducción, pues el profesor no los entiende en la misma proporción que los pupilos lo entienden a él.
Resulta de importancia señalar que los alumnos en realidad son inmigrantes y que acuden a una de esas escuelas no son actores, al igual que la mayoría de los profesores; la película fue financiada por una organización para la cohesión cultural para retratar el diario de las angustias sobre un sistema que no los sabe acomodar en un contexto cultural determinado.
Ahora bien, no soy crítico, y a pesar de la cantidad de premios que posee, la cinta me pareció aburrida como trompo, un gallinero de ideas que no dicen nada y con demasiadas pretensiones que no cuaja en el entendimiento y contexto latinoamericano. Por eso, en gran parte se pierde la idea central pues es demasiado lejana a nuestro drama diario, irónicamente, a pesar de la cantidad de inmigración que poseemos.
El montaje me pareció magistral ciertamente, pero, y puede que este sesgado por la huella de Hollywood como me dice mi gran amigo don William Venegas, la cinta no tiene punto medular (solo lo que mencione de la historia más allá de la cinta), no presenta giros de ningún tipo, aburre pues es más de lo mismo por dos horas, diez minutos después de que inicia, la cinta, se conserva uniforme hasta que termina, es letárgica. Está llena de estereotipos: el chino inteligente con los números, el africano pendenciero y matón, la blanca que a pesar que no estudiaba leía a Sócrates, y la pobre chica de color que deja todo botado por sentirse tonta.
El valor de este trabajo radica en su propuesta como retrato social, en dar el respeto y lugar a los valientes luchadores que desean mejorar la calidad de vida de cientos de jóvenes quienes no ven ese esfuerzo y en el deseo de que todas las partes involucradas vivan en armonía.
Pero, mi comentario expresa lo que me pareció, le pongo 4 Chompipes. Es súper aburrida, repetitiva y llena de estereotipos.

El luchador (The Wrestler)

Esta cinta nos muestra una realidad cruel, pocos se atreven a exponerla como se debe, pero el director Darren Aronofsky tuvo el coraje de presentarla sin anestesia: Puedes amar lo que haces, puedes disfrutar lo que haces, puedes sentirte pleno con lo que haces, mas, eso no te asegura la felicidad al final. Algunas veces hay que saber decir: es suficiente.
Es cine artesanal, con cámara en mano y sin mayores trucos, típico de la obra de este cineasta, el montaje es estricto pero bien hecho, puntual.
La exploración de una parte de la naturaleza humana es conmovedora, nuestro derecho a la autodestrucción progresiva, ese tránsito por el valle de lágrimas vistiendo lentes que nos manifiestan solo ríos de miel. Es impresionante ver al personaje interpretado por Mickey Rourke y sentirnos tan profundamente identificados con su deseo de autorrealización y de búsqueda de sentido, para caer en cuenta que nunca lo perdió, y que sin embargo, es un hombre vacio.
El luchador, es metáfora, es poesía sobre la vida, es entender la belleza del día a día, y de continuar la pelea sin claudicar. Este largometraje nos devela que siempre, y sin importar lo que ocurra, la vida nos da la oportunidad de volver a empezar, y que somos, sin importar, dueños y amos de nuestro propio destino, de nuestra propia destrucción.
Es cine con un mensaje fuerte, no apta para personalidades depresivas o con tendencias suicidas, pues el monologo interno que genera es sumamente triste, una carta abierta al abandono de la esperanza. Pero, aunque no lo parece, esa paradoja es la esperanza, la construcción de nuestra propia vida por nosotros mismo, y decidir como morir o vivir, morir por lo único que te hace pleno y vivir por eso hasta la muerte.
Marisa Tomei me sorprendió, con una actuación impecable y con un cuerpazo de gourmet, me encantó, y me conmovió.
Gran cinta, sumamente sensible y muy humana, dura de ver, pero especialmente sumamente difícil de aceptar.
Le pongo 1 Chompipe. Es reveladora.

La Ciencia del Sueño (La science des rêves)

Este es cine para neuronas hiperquinéticas, con una voz ajustada de la vieja escuela surrealista pero con un matiz bastante peculiar en el abordaje del tema cotidiano y del amor. Es un viaje, usando la jerga callejera de los amantes del porro.
Me agradó la estética austera y audaz, diseños empotrados dentro de una profanación dadaísta bastante genuina pero generosas en sus insumos oníricos.
El actor Gael García Bernal da un gran desempeño, uno no sabe a ciencia cierta si su vida es solo una extensión de sus sueños, eso sin descartar que tenga algo de esquizofrenia, buena actuación. Por su parte la actriz Charlotte Gainsbourg, es encantadora, feíta físicamente, pero con una actuación puntual, es muy profesional, algo de maquillaje le hubiera sentado bien.
El derroche en la semiótica usada por doquier nos reflejan una visión gastada de la vida como tal, un arquetipo de lo que se espera de los jóvenes, “el siguiente paso”, te gradúas, el siguiente paso es buscar trabajo, el siguiente paso, casarse y así sucesivamente hasta llegar al ataúd. Y la metáfora del sueño como ese respiro de las personas para darse la libertad de poder ser en medio de la opresión del modernismo, me pareció refrescante.
Es cine para meditar, pensar y dejarse atrapar por el humo de esos cigarros especiales que se debieron fumar sus realizadores, pero a muchos les parecerá más lenta o aburrida, incluso sin sentido, como dije, a despertar las neuronas y a dejarse embriagar por este paseo poético, donde las imágenes dicen más que la historia.
Me recordó a ciertas producciones del maestro Jan Švankmajer.
Le pongo 2 Chompipes. No me gustó el final, fue un sueño profundo interrumpido, y desde lo psicológico, eso puede producir pérdida de memoria, en este caso, desilusión.

El Solista (The Soloist)

Esta cinta es toda una travesía para debatir, desde lo narrativo, primeramente se nos muestra al personaje del actor Jamie Foxx, un esquizofrénico quien vive en las calles y que nos hace desgranar el paradigma de la enfermedad mental desde la postura actual, gracias a este personaje podemos hacernos la pregunta sobre qué encierra para la sociedad el trato a estas personas, un trato que es cuestionado desde lo humano, hasta de cuáles deberían ser las condiciones para entender a estos individuos. ¿Estarán realmente locos, o necesitamos otra visión menos sesgada para comprenderlos?
Luego, como si de la Divina Comedia se tratara, la metáfora de Virgilio guiando a Dante por el Infierno se hace presente, un mostrenco y un periodista, podemos recorrer brevemente este mundo de los vagabundos, cuna de los olvidados, esos desterrados que luchan día a día para sobrevivir en las más atroces condiciones a la vista e indiferencia de la sociedad, ahogada en la opulencia de creerse perfecta, solo estamos atrapados en el tercer circulo del infierno que nos impide ver la belleza de esas personas a quienes catalogamos de parias.
Pero al igual que este viaje, la cinta nos inyecta la esperanza, ese anhelo de llegar hasta la profundidad más oscura para encontrar las puertas del paraíso con la salvedad de que para llegar ahí es un trabajo muy duro, pero, posible.
La actuación de Jamie Foxx es sobresaliente y digna de elogios.
La película es más una historia de la indiferencia de los hombres para con sus propios hermanos y de cuestionarnos lo más básico de todo, ¿Qué nos hace humanos?
Los movimientos de cámara son impecables, plano secuencias y la fusión entre música e imagen es literalmente conmovedora.
El problema de esta cinta es que pierde rumbo, intenta decir mucho pero no logra concretar su discurso, se vuelve abogado pero sin mayor valía que la de un abuelo regañón.
Le pongo 2 Chompipes. Esta buena, y la recomiendo.

La decisión más difícil (My Sister´s Keeper)

Hablar de la muerte es complicado, en especial cuando se relaciona con un proceso doloroso y atemorizante como lo es una enfermedad terminal.
Pero, confieso que esperaba muchísimo más de esta cinta, la premisa inicial es atrapante desde el punto de vista de la trascendencia de la discusión temática que plantea.
Es patética, el problema moral, que a mi criterio era la medula del largometraje es traslapado y enturbiado por medio de un marco de sentimentalismo barato para generar lágrimas fáciles. Para llorar basta con ver fotos de niños hambrientos de Somalia.
Es cine diseñado con la única intención de producir llanto, como existe el cine de comedia también.
Sin embargo, el merito de la cinta no se puede tachar, el valor de la decisión de morir o vivir es también importante, la dignidad de poder terminar nuestros días con "dignidad" tras una gran batalla en la cual uno es el perdedor es interesante para el dialogo familiar.
La música está colocada para sensibilizar a las personas y aflojarles el lagrimal, la edición tiene sus periodos, donde muestra en breve la perspectiva de cada uno de los protagonistas. Es aquí donde cada historia cobra importancia, pero por desgracia no se ahonda en las subtramas que podrían aportar también a la discusión de fondo y que irónicamente se deja de lado al final de la cinta: el derecho a decidir ayudar o no.
Jason Patric y Cameron Diaz resultan un dueto dramático inesperado, resaltando una de las mejores actuaciones de Diaz en años, pero la que se lleva mi mayor elogio es la joven actriz Sofia Vassilieva a quien le tocó el eje emocional y el peso de llevar la fuerza de encarar a la muerte, es por ella por quién uno deja escapar más de una lágrima.
Es cinta para generar dialogo, para cuestionar a la sociedad, para medir la delgada línea entre el amor paterno y la desesperación. El carisma principal de la cinta es el dialogo posterior, el cual enriquecerá a la sociedad. Me pregunto, ¿cómo hubiera sido este drama si la familia fuera de bajos recursos en ves de clase economicamente acomodada?
En lo personal me pareció que se uso demasiados recursos para generar emociones facilonas ante un tema medular que se dejó por fuera para evitar implicaciones morales de algún tipo.
Le pongo 3 Chompipes.

Los secretos del poder (State of Play)

El mundillo de los periodistas es todo un micro universo de chismología avanzada, la premisa de informar choca en algunos momentos con algún interés determinado, sea personal, del periódico o de los mismos anunciantes produciendo que las notas sean alteradas por el factor humano y no por que los hechos así lo ameriten.
Esta cinta desnuda el mundo de la investigación periodística y de cómo se debe manejar una indagación en donde varios intereses están en conflicto. Bastante bien dirigida por Kevin Macdonald.
Vemos un buen elenco encabezado por una gran actuación de Russell Crowe quien nos demuestra la importancia del buen manejo del histrionismo en la gran pantalla, por otro lado, y con una desempeño flácido está Ben Affleck. Para notar lo mal actor que es este último, solo falta verlo en las escenas que coincide con Crowe, así notamos que Affleck grita los parlamentos mientras que Crowe simplemente los actúa.
La cinta es compleja, con varios puntos de giro interesante; el suspenso se mantiene bastante fuerte y solido en el recorrido narrativo.
Una debilidad que le noté fue el triangulo amoroso entre la esposa del senador y Crowe, me pareció que ese dato no era necesario y la escena inicial es confusa, pero, se resuelve al rato.
Esta cinta quiere recordarnos que la prensa es el “cuarto poder”, es el que determina y posiblemente, ayuda a decidir un cambio social. No debemos olvidarlo.
Otro detalle es la crítica sutil a los blogs, usados para difundir chismes pero que en manos de verdaderos periodistas son herramientas poderosas para transmitir información.
Me agradó, la recomiendo, y resalto la actuación de Jason Bateman a quién vemos con un trabajo diferente y que el breve espacio que se muestra en pantalla es versátil y generoso, bien por él.
Le pongo 2 Chompipes.
Como dato curioso, este largometraje es basado en una serie de televisión.

Sin Nombre

Las películas con temática sobre las inmigraciones latinoamericanas, y en el resto del mundo por igual, giran en torno a un tópico de fondo: La tragedia.

La tragedia se presenta desde todo aspecto, pues implica el cambio de las personas involucradas a su estilo de vida y a sus raíces por un fin mayor.

La cinta, Sin Nombre, muy bien dirigida por Cary Fukunaga nos muestra parte de este drama que viven miles de personas en diversas tierras, sus razones para escapar a su realidad histórica y personal van más allá de su amor por el suelo que los vio nacer.

La fotografía es lucida y puntuada, mostrando arto el problema de las condiciones inhumanas de los viajantes.

El montaje me pareció adecuado, simple y bastante armónico donde la historia se va hilando de forma amena, para narrar las desdichas de todos los personajes implicados.

La historia, por su parte, me pareció trillada, no aporta nada nuevo a la problemática de los inmigrantes latinos camino a Estados Unidos, detallada mil veces en mil otras historias pero sin proponer soluciones a las realidades que se dan y poniendo a EU como el paraiso americano.

Por otra parte, muestra a las Maras como organizaciones todopoderosas, dándoles más importancia en si que en su aspecto de gestores de miedo, las muestra sumamente organizadas, mejor equipadas que los mismos gobiernos, no brinda remedios a esta problemática local, por el contrario las ensalza y las vanagloria prestándoles una importancia que no merecen dentro de este contexto.

La actuación de Paulina Gaitan me agradó, la joven tiene futuro, pero lastimosamente su papel era voluble, poniendo en mal a la mujer latina, haciéndola ver como personas llevadas por los sentimientos, enamoradizas, inmaduras, caprichosas, que no piensan las consecuencias de sus actos, tontas, incrédulas y que se lanzan con el primero que les da una brizna de cariño. Ese retrato de la mujer latina en general me pareció vacio, lo comparé con el retrato de Bella, de la Bella y la Bestia, que piensa que con su gran amor podría cambiar al monstruo del que se enamoró. Esperaba mucho más de ese personaje.

Por el contrario el personaje de ¨El Casper¨ pudo explotarse más, con todo y la complejidad que se podía apreciar dentro de este individuo atormentado desde varios frentes, el amor arrebatado, la moral de sus actos, el destino que le esperaba y el dolor de su forma de vida, por desgracia, este personaje fue pesimamente personificado por Edgar Flores quién no vio la miríada de tonalidades emocionales que debía proyectar en su interpretación, le quedo grande el traje al actor.

La materia presentada no me pareció fresca, no se dieron soluciones, por el contrario, se le da mucha importancia a las Maras, al punto que se les muestra con un aura de organizaciones imparables.

Le pongo 3 Chompipes, se deja ver y en estos tiempos donde Honduras esta en el foco del mundo, contemplar parte de su problemática nos ayuda en el análisis del por qué ocurren las cosas que pasan en estos tiempos por esos lares.

Let the right one in (Låt den rätte komma in)

Los largometrajes sobre vampiros han caído en un cliché de sí mismas desde hace décadas, la realidad está en que muy pocas han re-estructurado el género ó agregado algún elemento nuevo e interesante. Hasta que vi esta cinta.
Es la mejor película de vampiros que he visto en años, simplemente me encantó, es delicada, tierna pero aterradora. La historia es intrigante, un niño de 12 años, Oskar, conoce a esta misteriosa pequeña, Eli, se hacen amigos y en ellos va creciendo algo más que amistad. La chica es una nosferatu, muy consciente de su condición y con gran sabiduría debido a sus muchos años a pesar de su apariencia, sabe lo que quiere del pequeño en todo aspecto, y todo es todo.
No es nada inocente y la historia dentro de la historia es grandiosa, nos hace sacar miles de conclusiones sobre los posibles orígenes de esta chica, y de cómo seduce, cómo vive y de cómo mira el mundo. La historia es embriagante en sus detalles, pues por un lado es cándida vista desde los ojos del pequeño y por el otro, digamos, que es compleja por el lado de la chica.
Los efectos visuales son ínfimos pero acertados, dato magistral que me impacto por parte del director, esto, si se aclara el bajo costo de la producción y su humilde origen Suizo.
La recomiendo para ver, con un justo pero adecuado balance entre drama, terror, misterio y sangre. La escena más aterradora es la de la piscina, esa escena pasará a la historia como una de las más escalofriantes de la historia del cine.
Le pongo 1 Chompipe, es genial, y la actuación de la joven Lina Leandersson como Eli, dará mucho que hablar y aportar a este género, además, como actriz tiene gran futuro. Confieso que es la segunda mejor película de vampiros que he visto en toda mi vida. ¡¡Véanla!!

4 meses, 3 semanas, 2 días (4 luni, 3 saptamini si 2 zile)

Cuán difícil es desfragmentar la vida como tal; y colocar un solo momento de la misma en imágenes para que un espectador de forma voyerista intente darle un significado a lo que se desea puntuar. Sin inicio y sin final, pues es solo un fragmento de la realidad, eso es lo que tenemos, un instante, un momento de la vida de un par de mujeres, ambas se encuentran en una encrucijada que las marcará por el resto de sus vidas y nos pondrá a analizar nuestro papel en todo este debate del aborto.
La idea de hablar del aborto es algo difícil si se intenta escoger un bando determinado, algo que de forma admirable tiene esta cinta, solo cuenta la historia sin tomar partido, la expone: fría, cruda y sin especies, al igual que la vida. El esmero por el detalle de resaltar la “realidad” es agudo, con esto omite los aderezos tradicionales: juegos complicados de cámaras o la música, su edición es simple pero puntual. El uso artesanal de la cámara en mano le da al espectador la sensación de ser primer protagonista de cada hecho y de introducirse emocionalmente en los aspectos internos de las protagonistas.
El aborto es el eje de todo el relato, pero también refleja una crítica sabrosa pero sutil a la corrupción dentro de un sistema deformado por sus propios líderes, esa corrupción producto del clímax de la guerra fría dentro del marco histórico de finales de la década de 80’s en Rumania, los mercados negros, los médicos clandestinos y la clasificación de los roles de género dentro de las mismas clases inmersas en un mundo comunista.
La actriz Anamaria Marinca en su papel de Otilia es la piedra angular de toda la historia, gran actuación, fuerte, sincera y natural.
Ahora bien, las tomas largas donde el silencio reina son preciosas, pues ahí es cuando el verdadero diálogo inicia, esa conversación interna del espectador, su moral y su realidad de vida. El coloquio interno es prometedor y es cuando vemos el valor de esta película como motivadora de análisis social. Un gran largometraje para poner a pensar, para buscar en lo interno la respuesta a la gran pregunta personal sobre lo correcto o no. La moralidad está en el silencio y su mensaje es muy personal.
Le pongo 1 Chompipe. Es una gran cinta para ver, para analizar y para poner a ejercitar el cerebelo.